Los Retratos del "Juicio"

Si lo comparamos a las otras obras de arte humanas, vemos que El Juicio Final es, indudablemente, las más ciclópea y portentosa composición pictórica realizada en la tierra. Pero si, con un esfuerzo sobrehumano de imaginación, pensamos en el juicio extremo que nos promete la fe cristiana, confesaremos que apenas es un manojito, un pequeño haz de desnudos, una sombra confusa e infinitesimal del espectáculo inmenso e imaginable del Novísimo Día. 

Mas que Juicio, es apenas preámbulo: en lo alto aparece Cristo, que viene a juzgar abajo, los muertos se despiertan para recuperar su cuerpo. Quizá la orgullosa pintura no debiera llamarse Juicio, sino Resurrección. Parece ser que así lo pensaban algunos contemporáneos antes que la obra estuviera empezada. Agnello, en efecto, escribe en Venecia, el 2 de Marzo de 1534, que Clemente VII "tanto ha hecho que ha logrado convencer a Miguel Ángel de que pinte la capilla y que encima del altar se haga la Resurrección...

El Renacimiento

Pinturas del renacimiento italiano y Tiziano Vecellio se exhiben en Atenas .

La expansión del Renacimiento italiano

Muchos de los primeros logros del Renacimiento ocurrieron en Italia, pero los reyes, nobles y comerciantes de toda Europa querían unirse a esta tendencia. Al mismo tiempo que Francisco I invitaba a Leonardo a trabajar en Francia, los artistas del norte de Europa visitaron Italia y regresaron a sus países llevando las nuevas técnicas. En alemán Alberto Durero (1471-1528), por ejemplo, estuvo en Italia en 1904 y nuevamente de 1505 a 1507. Por esa época, muchas ideas del renacimiento ya se habían diseminado por toda Europa, gracias al desarrollo de la pintura. 

Leonardo da Vinci

Con grandes avances en la pintura, la escultura, la ciencia y la arquitectura, el mundo de las artes y del conocimiento entró en una fase de auge dentro del periodo renacentista, que duró aproximadamente de 1490 a 1540. Fue el resultado del trabajo de estudiosos y artistas dotados de una gama excepcional de talentos. Uno de los más importantes fue el italiano Leonardo da Vinci (1452-1519): pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, matemático, científico y filósofo.

Nacido cerca de la ciudad de Vinci, Leonardo comenzó como aprendiz en el taller de un artista más viejo. Parte de su entrenamiento involucraba también el estudio de la ingeniería y la mecánica. El maestro de Leonardo era Andrea del Verrocchio (1435-1488), y estaba tan asombrado con el talento del joven Leonardo, que decidió ¡abandonar la pintura! Leonardo permaneció en Florencia hasta los 30 años, pintando retratos y cuadros religiosos. Después se mudó a Milán, para trabajar como pintor e ingeniero del duque Ludovico Sforza. 

Durante esos años, Leonardo perfeccionó su técnica de pintura al óleo. Esto puede verse en la Monna Lisa o La Gioconda, su obra más conocida. Pocas pinturas habían tenido un aspecto tan natural y lleno de vida. El retrato capta una leve sonrisa, la que dura sólo un instante. El sombreado crea un efecto convincente tridimensional que contrasta con el paisaje nublado al fondo. Hasta ahora, el cuadro sigue siendo un misterio; algunos creen que es el retrato de la esposa de Francesco del Giocondo, un hombre rico de Florencia, pero nadie lo sabe con certeza.

Renacimiento frente al gótico tardío

Al concentrar nuestro enfoque en el Renacimiento dentro del campo de las bellas artes como un todo, nos enfrentamos con algunos interrogantes que son todavía objeto de debate, ¿cuándo empezó? ¿originóse, como el arte gótico, en un centro específico, o bien lo hizo en varios lugares a la vez? ¿debemos verlo como un estilo nuevo y coherente, o como una nueva actitud que puede corporeizarse en más de un estilo? Sabemos que la <<conciencia renacentista>> fue una idea de Italiana, y no cabe la menor duda de que Italia llevó la voz cantante en el proceso evolutivo del arte del Renacimiento, por lo menos hasta comienzos del siglo XVI.

El Renacimiento inició poco después de 1400. Sin embargo, en cuanto a la pintura, una tradición anterior aún afirma que la nueva era comenzó con Giotto.

Una introducción más al Renacimiento

Desde fines de la Edad Media y en los inicios de la Edad Moderna, hizo su aparición en Europa un movimiento cultural que, surgido originalmente en Italia, se desbordó posteriormente a otras naciones inmediatas, y después, atenta la proyección cultural al suelo americano, se dejó se dejo sentir en este ultimo.

tal movimiento vino a ser un nuevo nacimiento de los grandes valores griegos y latinos en medio de una Europa que encontro en ellos inspiración y guía, lo mismo en la producción literaria, que en las elaboraciones de la arquitectura, de la escultura, de la pintura, de la filosofía o de las ciencias. El auge del renacimiento no ocurrió, sin embargo de modo imprevisto y sin antecedentes, ya que, como se ha indicado, en las postrimerías de la misma edad media se apunto la corriente deseosa de buscar la inspiración en la Hélade y en Roma, que maduró al correr de los años, y fue Italia el centro de esta gran conmoción creadora.

La palabra renacimiento no se empleo al principio cuando los acontecimientos comenzaron a tener lugar, sino hasta el siglo XVI cuando Giorgio Vasari, pintor y crítico de arte, la uso para designar las transformaciones que habñian resentido las artes plásticas italianas desde el siglo XVI. Más tarde, un historiador francés Jules Michelet empleo la expresión renacimiento para referirse a todas las manifestaciones culturales de la corte de Francisco I, el siglo XVI Y finalmente Jacobo Burckhardt extendió todavía más el significado del vocablo para designar el conjunto de los cambios que dieron a Europa una fisonomía nueva en los albores de la Edad Moderna.

Que Italia haya sido la sede primada del renacimiento, entra en la naturaleza de las cosas, como quiera que ningún país Europeo sentía y vivía tanto la tradición clásica proveniente del pasado. la presencia de los monumentos, las obras plásticas de la antigüedad, fácilmente localizables el ambiente mismo que sentía como algo connatural, las creaciones clásicas, todo ello contribuía a que floreciese, allí precisamente, mejor que en parte alguna- el Renacimiento.

Punto de Fuga

Brunelleschi descubrió que todas las líneas paralelas de un cuadro- donde hay edificios o muebles- apuntan hacia un único punto de fuga. Hasta entonces, eso aún no había sido comprendido totalmente, como puede verificarse. Por ejemplo, en el trono de la página 9, pintado por Cimabue.

Las pinturas pueden tener más de un punto de fuga cuando, por ejemplo, los edificios o los muebles forman un ángulo. Si gotoo hubiera sabido esto, habría sido más fácil para él pintar la tienda de la página 9.

El descubrimiento de Brunelleschi facilitó a los artistas la creación de la ilusión de profundidad.

La flagelación de cristo (c.1450) de piero della Francesca. Los elementos paralelos de los edifiicios-líneas del tejado,
columnas, losetas del piso- se dirigen todos hacia un punto de fuga.

La Perspectiva

Los artistas europeos del Renacimiento se propusieron representar el mundo de la manera más realista posible. Ellos querían que las escenas que pintaban fueran como engañoso porque los cuadros se pintan en superficies planas, de dos dimensiones, y la realidad que vemos es tridimensional: los objetos retroceden en la distancia y tienen profundidad. Para que las escenas pintadas se parecieran más a la realidad, los artistas tuvieron que dominar el arte de la perspectiva.

El tributo (1425), de Masaccio

Cerca y lejos

En la competencia para pintar las puertas del Baptisterio de Florencia de Ghiberti ganó, uno de los perdedores fue Filippo Brunelleschi (1377-1446). Dicen que después de esa decepción Brunelleschi abandonó la escultura y se concentró en la arquitectura. Su gran triunfo fue el espléndido domo de la Catedral de Florencia, construido de 1420 a 1436. Como muchos otros artistas del Renacimiento, Brunelleschi tenía varios talentos: además de ser arquitecto y escultor, era pintor. Se cree que fue el quién descubrió el funcionamiento de la perspectiva, el modo en que las líneas paralelas de una construcción apuntan todas hacia un único punto de fuga. Sus ideas fueron llevadas a la práctica por el pintor italiano conocido como Massaccio, cuyo verdadero nombre era Tomaso di Ser Giovanni di Mone Cassai (1401-28) y cuyo dominio de la perspectiva puede apreciarse en El Tributo.

La perspectiva fue considerada el elemento clave para conseguir que las escenas pintadas parecieran reales. Fue rápidamente adoptada por los principales pintores italianos de la época, como Fray Angélico (1395-1455), Piero della Francesca (1415-1492) y Andrea Mategna (1430-1506). El dominio de la perspectiva se volvió tan importante que algunos artistas hicieron de la arquitectura el tema central de sus pinturas. Sin embargo, en la perspectiva no sólo es cuestión de alinear correctamente los edificios. Se trata también de crear un sentido de profundidad convincente. Eso se consigue mostrando cómo se altera el color en la medida en que los objetos se apartan del observador. La distancia también altera los tonos del color y las sombras en el dibujo de varias personas y hasta en un rostro visto muy de cerca. La representación de la sombra, con un efecto tridimensional convincente, se volvió el gran desafío técnico en la creación de la ilusión de profundidad. 

La escultura al comenzar el Renacimiento

Uno de los diez paneles de bronce de
 Las puertas del Paraíso (1425-1452), de Lorenzo Ghiberti 

En el siglo XV, la ciudad italiana de Florencia era el centro del arte y la arquitectura. tenía una catedral magnífica y Lorenzo Ghiberti (1378-1455)ganó el concurso para pintar las puertas del baptisterio (sitio donde está la pila bautismal) de esa catedral. Proyectó para ellas una serie de paneles de bronce que tenían como fondo motivos de la arquitectura grecorromana. Los arquitectos de la época copiaban modelos de arte romano para construir iglesias y catedrales cristianas. Por eso, algunos llamaban a Florencia la "Nueva Roma".

Modelos Romanos

Uno de los alumnos de Ghiberti era Donato di Niccolo, más conocido como Donatello (1386-1466), que fue su discípulo de 1404 a 1407. Donatello trabajó en el taller de Ghiberti y lo ayudó con las puertas de baptisterio, pero luego demostró su propia personalidad en obras extraordinaria fuerza emocional. Trabajo en madera, mármol y bronce, revelando su talento para la expresión natural, la proporción y el gran realismo en sus obras. En 1430, Donatello fue a Roma a estudiar la escultura de los antiguos griegos y romanos y constató que era mucho mejor que cualquier cosa producida en los tiempos medievales. Esa experiencia significó un nuevo desafío para Donatello y gracias a ella, adquirió mayor seguridad en su trabajo. Su David fue la primera escultura de un desnudo desde la época romana. 

Algunos incluso argumentan que puede no ser el personaje bíblico de David con la cabeza de Goliat, sino que se trata del dios romano Mercurio con la cabeza de Argos. DE 1443 a 1453, Donatello estuvo en Padua, trabajando en una estatua ecuestre, del tamaño natural del soldado italiano Gattamelata, que también se considera el primer monumento de este tipo desde los tiempos romanos.

El interés de Donatello por la escultura de los antiguos romanos tuvo un sorprendente efecto en la pintura. Muy poco de la pintura romana sobrevivió al paso del tiempo, así que los artistas del Renacimiento solo contaban con las antiguas esculturas romanas cuyo realismo y tridimensionalidad inspiraron y perfeccionaron la pintura renacentista.

Pintando... para la Iglesia

A los cristianos les gustaba decorar el interior de sus iglesias con esculturas en madera (conocidas como tallas), mosaicos, pinturas y vitrales de muchos colores que les hacían más luminosas, ricas y llenas de magia. Los monjes, especialmente en el norte de Europa, crearon bellas pinturas en pequeña escala para los manuscritos-miniatura. Las pinturas a gran escala, sin embargo, también se realizaban con frecuencia. Muchas de ellas eran frágiles y fueron destruidas por el tiempo y la humedad. En el siglo XII, un cambio ocurrió en Italia, cuando algunos artistas procuraron dar una nueva inspiración y vivacidad a las pinturas de gran tamaño, usando técnicas como el fresco y el temple. En el fresco, la pintura era aplicada directamente en las paredes cuando el yeso aún estaba húmedo. La pintura al temple, en cambio, se aplicaba sobre una base seca.  

Pinturas Murales

Uno de los primeros maestros en usar la técnica del fresco fue un artista de Florencia, Italia, llamado Giotto di Bondone y conocido simplemente como Giotto (1267-1337). Fue el autor de dos famosas series de pinturas. La primera de ellas está en la capilla de Arena, construida por un rico comerciante llamado Enrico Scrovegni y ubicada en la ciudad de Padua, cerca de Venecia. Está serie de frescos ilustra escenas de la vida de la Virgen María y de la Pasión de Cristo. La segunda serie, retrata la vida de san Francisco (1181-1226) en la basílica dedicada a este santo, la cual se encuentra en la ciudad Italiana de Asís. Las dos series de frescos crean un efecto de majestuosidad. Es como si las paredes de la iglesia estuvieran cubiertas de un papel tapiz multicolor, pero en el que los motivos no se repiten. Las figuras pintadas narran una historia como en una historieta. Pero lo que distinguió a Giotto de los demás artistas, fue la nueva emoción y el dramatismo que agregó a sus pinturas.

Antes de él, los artistas se conformaban con pintar imágenes planas, más convencionales. Las figuras de Giotto, en cambio tienen volumen y parecen más solidas, tridimensionales, con rostros individualizados pintados cuidadosamente y vestimentas de aspecto realista. Ellas parecen personas de verdad. Giotto influyó profundamente en las siguientes generaciones de pintores florentinos y muchas tradiciones de la pintura europea se originaron en su obra. Él es citado frecuentemente como el primer gran artista en la historia del arte europeo. 

   

INTRODUCCIÓN

Miguel Ángel vivió en Italia en una época de gran progreso y cambios para Europa. Hoy conocemos ese periodo como Renacimiento. Miguel ángel no sólo fue pintor, sino también escultor, arquitecto y poeta y es considerado uno de los grandes maestros del Renacimiento. 

A principios del siglo XVI surgió el Renacimiento, caracterizado como un periodo en el que estudiosos, escultores y pintores re descubrirían las grandes obras de la Antigüedad griega y romana, lo mismo en la filosofía, que en la arquitectura y el arte. Esas obras los inspiraron a cuestionarse el mundo en que vivían, y así comenzaron a investigar cómo funciona el mundo y cómo se revela ante nuestros ojos.

Escultores y pintores desarrollaron rápidamente nuevas técnicas en la escultura y la pintura logrando que sus obras se volvieran más realistas y ambiciosas. En la medida en que se perfeccionaban sus técnicas, los artistas ganaron más confianza y habilidad, produciendo algunas de las más elaboradas obras de arte que el mundo ha conocido.